Tanja Roscic

Freymond-Guth & co. Fine Arts

Brauerstrasse 51

Bis 24. Dezember

Joël Meier  Die junge Künstlerin Tanja Roscic lehrt in ihrer Solo-Ausstellung in der Gallerie Freymond-Guth eine surreale Biologie. Anhand pseudowissenschaftlicher Anschauungsmodelle und alchemistisch anmutender Skizzenhefte dokumentiert sie Entstehen, Metamorphose und Vergänglichkeit einer Spezies zwischen Mensch, Tier und Pflanze. Roscic entwirft ein bizarres Biotop, deren physiologische Gesetzmässigkeiten einerseits plakativ dokumentiert und andererseits mystisch verklärt werden. Die dadurch entstehende Gleichzeitigkeit von Physik und Metaphysik erzeugt den Spannungsbogen des Surrealistischen ebenso wie die Vereinigung von expliziter Materialität und organischem Anschein.

 Tanja Roscic, „The Witch and The Philosopher’s Egg“ series, 2008. Installation View. Bild: Freymond-Guth.

Kreaturen werden getrennt, wieder vereint. Sehnen und Stränge verbinden. Roscics explorativen Werken liegt das Prinzip der Kausalität zu Grunde. Der Untertitel der Ausstellung, „The Witch And The Philosopher’s Egg“, stellt die existenzielle Frage – was war zuerst, Ei oder Huhn? – und verweist gleichzeitig auf die Unmöglichkeit deren restlosen Klärung. Zumindest mit Kenntnissen der modernen Biologie, Chemie und Physik. Roscic entwirft einen eigenen Approach an die Implikationen des Lebens. Doch auch ihr Ansatz kennt Regeln und ein kryptisches Zeichensystem für die Beschreibung ebendieser. Diese sind für die Betrachter der Ausstellung aber ebenso unverständlich wie die Herkunft und Funktionsweisen ihrer eigenen physiologischen Prozesse und die chemischen Formeln, die sie beschreiben.

Tanja Roscic, 7 Drawings from „The Witch and The Philosopher’s Egg“ series, 2008. Bild: Freymond-Guth. 

Distanzierte menschliche Gesichter kontrastiert Tanja Roscic mit der Haptik papierner Streifen. Das dabei entstehende okkulte Moment eröffnet eine weitere Dimension im Spiel mit Organischem und Gegenständlichem. Ob die freistehenden, bemalten Köpfe Masken sind oder in ihrer Exponiertheit selbst Masken bedürfen, erklärt die mystisch-surreale Biologie Roscics nicht.

Tanja Roscic, untitled, 2008. Installation View. Bild: Freymond-Guth.

Parallel zur Einzelausstellung von Tanja Roscic ist die Diainstallation des zypriotischen Künstlers Christodoulos Panayiotou zu sehen. „If Tomorrow Never Comes“ zeigt Schwarz-Weiss-Bilder von Feuerwerken in Napoli, Italien. Quelle: Die Archive zweier lokaler Tageszeitungen. Das explodierende Schwarzpulver hoch über Häuser und Meer ist Höhepunkt der örtlichen Feste und gleichzeitig fatales Kommunikationsmittel der Camorra. Freude und Tod vereint in einem spektakulären Lichtspiel. Der ständige Wechsel der Diabilder verwischt und verfremdet die Grenzen zwischen Euphorie und Agonie – dass der nächste Morgen nicht kommen wird, wissen aber sowohl ekstatisch Feiernde als auch Opfer der Mafia.

Rahel Klauser In der Artrepco ist aktuell die Ausstellung „Äther & Phlogiston“ von Raphael Hefti, der sich in den vergangenen Jahren mit der Geschichte des künstlichen Lichts in der Fotografie befasste, zu besichtigen. Die Werkgruppe zeigt auf Barytpapier abgezogene Fotografien, eine grossformatige Nachtaufnahme, einen Film und eine Installation. Die sehr technischen und zugleich ästhetischen Werke machen deutlich, welch ein aufwändiges Verfahren hinter Hefti’s Arbeit steckt.
(c) Raphael Hefti/courtesy Artrepco Gallery

12 von den insgesamt 17 auf Barytpapier abgezogenen Aufnahmen sind in der Galerie Artrepco zu sehen. Sie zeigen die Vorbereitungsarbeiten und den fotografischen Prozess. Sehr technisch und aufwändig wirken die Instrumente und das Zubehör, welche auf den Schwarzweiss-Fotografien abgebildet sind. Vor rund drei Jahren begann der junge Künstler Raphael Hefti, 1976 in Boudevilliers NE geboren, sich mit mechanischen Pulverblitzlichtern zu beschäftigen und diese für seine Zwecke zu verwenden. Er beleuchtete damit ganze Landschaftsstriche.
Verschiedenste Chemikalien erreichen dank ausgemusterten Militärraketen eine sehr intensive und grossflächige Leuchtkraft, die bis zu 30 Sekunden andauert. Das Resultat sind Fotografien im Grossformat mit einer starken Atmosphäre, eine davon ist in der Artrepco zu besichtigen: Eine Nachtaufnahme einer Lichtung oder Wiese, in der Mitte liegen gefällte Bäume aufeinander, wie für ein 1.-August-Feuer präpariert, die weissen Lichtblitze am Rand des Bildes wirken wie zähe Nebelschwaden. Die Bäume ringsherum und die Wiese sind stark erhellt, als hätte Hefti einen Scheinwerfer darauf gerichtet. Der dunkle Hintergrund hebt sich klar davon ab. Die Wirkung ist leicht mystisch und trotzdem „heimelig“, was möglicherweise an den vertrauten Sujets liegt. Die Herstellung einer solchen Nachtlandschaft ist sehr aufwändig: Ein Team von bis zu 12 Leuten steht dafür bis zu zehn Stunden im Einsatz.

(c) Raphael Hefti/courtesy Artrepco Gallery

Der Film in der Ausstellung zeigt, wie der Künstler eine Gebirgswand erleuchtet. Am Anfang ist sich der Betrachter noch nicht sicher, was im Hintergrund zu sehen ist, erst als die Leuchtrakete gezündet wird, erkennt man den Fels. In seiner Serie „Disco“ (2006, nicht in der Artrepco zu sehen) zeigte Hefti ebenfalls eine Serie von Bergbildern. Damals hielt er die Kamera während militärischen Schiessübungen in den Schweizer Berger auf durch Leuchtbomben erhellte Gebirge gerichtet. Er begann sich für die Technik zu interessieren und baute später selber eigens entwickelte Konstruktionen.

Raphael Hefti war u.a. an der Gruppenausstellung „In den Alpen – ein Panorama“ im Jahr 2006 im Kunsthaus Zürich beteiligt. 2003 gewann er für seine Arbeit den Fotopreis „the selection, vgf“ und 2005 wurde er mit dem Fotopreis Image06 „Jeunes Talents“ in Vevey ausgezeichnet.

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Elysium Dream
Maximilian Zentz Zlomovitz
Karma International, Richard Wagner-Strasse 16
Bis 22. November

Elena Richter Links eine eiserne Maske, rechts aus Augen und Nasen blutende Rockstars, in der Mitte ein Raumschiff im Weltall. Dazwischen unsichtbares Feuer, das die Kunstgegenstände unablässig verzehrt.

Nein, ich spreche weder vom Schrein eines Fetischisten, noch von einem Fantasygruselkabinett; ich spreche von der Ausstellung „Elysium Dreams“ des Berliner Künstlers Maximilian Zentz Zlomovitz.

Auf kleinstem Raum haben die beiden Kuratorinnen Marina Leuenberger und Karolina Dankov eine Ausstellung hervorgezaubert, die ihre Bewunderung und Begeisterung für die Arbeit von Maximilian Zentz Zlomovitz bereits beim Betreten des Raumes spürbar macht.

Das Fetischhafte habe sie fasziniert, sagt Marina Leuenberger und weist auf die verbrannten Ränder und die zerflossene, verschmierte Oberfläche der Bilder. Auch habe sie sich für die eigene Formensprache des Künstlers begeistert, die keinerlei Repetition und Imitation in sich trage. Das Material sei immer spannend und unerwartet eingesetzt.

Bei diesen Worten wandert mein Blick zu dem Halbkreis aus Spiegeln, der einen verkohlten Taschenrechner, eine ausgebrannte Videokassette auf einem Stuhl ohne Fuss, und den Hals einer Tischlampe, ohne Glühbirne und Kopf, umfängt. An den Sitz wurde ein rotes Etwas gekettet, das sich im Halbkreis der Spiegel wieder und wieder bricht. Ein Raumschiff, keine Frage. Das Raumschiff „Elysium Dream“, das durch das Weltall rast und das entstanden ist, nachdem Maximilian Zentz Zlomovitz einen Roman gelesen hat, in dem ein Junge zu viel LSD zu sich nimmt.

Maximilian Zentz Zlomovitz, Elysium Dream 2008. Bild: Karma International

Dem Raumschiff gegenüber steht eine verbeulte Tonne, durch die ein Rohr getrieben wurde. Die Tonne wurde so besprayt, dass sie wie ausgebrannt aussieht. In ihr drin liegt eine verbrannte Plastikschleife. Auch hier zeigt sich wieder das Element des Feuers, das alle Gegenstände dieser Ausstellung erfasst hat. Ein Feuer, das den Kunstwerken inhärent ist, ein Feuer, das sich zwar gerade ausruht, während ich die Gegenstände betrachte, das aber sofort wieder ausbricht, wenn ich mich umdrehe und gehe – dessen bin ich mir sicher.

Maximilian Zentz Zlomovitz, Analyse 2008. Bild: Karma International

Hierig-Heutig
Konzept: Anka Schmid, Montage: Marina Wernli, Musik: Boris Blank
Kunstraum Walcheturm, Kanonengasse 20
Bis 1. November

Julia Häcki Ein Mann und eine Frau stehen einander gegenüber, sie fassen sich gegenseitig frech unters Kinn und heben die Faust zum anderen. Was zuerst aussieht wie ein verspielter Kampf, ist der traditionelle Appenzeller Tanz „Hierig“. Die Filmerin und Video-Künstlerin Anka Schmid (*1961) hat sich für diesen Tanz interessiert, weil er nicht wie andere Volkstänze zarte-Frauen- und harte-Männer-Rollen zementiert.

Mit ihrer Video-Installation „Hierig-Heutig“, dem bereits dritten Tanzfilm, will Anka Schmid den „Hierig“ in eine Form bringen, die seine Originalität ausserhalb des ursprünglichen Ländler-Kontexts zeigt.

Anka Schmid, Hierig-Heutig, 2008. Bild: Anka Schmid.

Auf die vier Innenwände eines grossen roten Kubus projiziert sieht man ein junges Paar in verschiedenen Einstellungen: Sie in Tracht mit Haube, er mit Edelweissgilet und Sennenkäppi, wie sie verschmitzt lächelnd mal vor Naturlandschaft, mal als blosse schematisierte Schatten und mal vor Graffiti-Wänden sich eine lange Nase machen, sich zuklatschen, in hopsenden Schritten abwechslungsweise das übliche Balzmuster des Fliehens und Folgens vollziehen.

Was den Tanz nun herausreisst aus der Idylle und Ruhe, ist in erster Linie die Musik von Boris Blank (Yello), der „afrikanische Urrhythmen, transformiert in trancemässige Elektromusik, über die liebenswürdige Schweizer Folklore“ gelegt hat. Man fühlt sich im roten Kubus wie in einer Disco, wo der Beat körperlich spürbar wird, und nimmt die Projektionen beschleunigt wahr, als wären sie eine dieser psychedelischen Musikvisualisierungen, wo immer wieder neue Formen ineinander verfliessen. Und auf einmal bleibt man an Details hängen und fragt sich, ob dieser lockere Schlenker, mit dem das Paar die Hüften zusammenknallt wie in einem Hip-Hop-Video, wirklich zum Originaltanz gehört?

Elena Richter Die Ausstellung „Gegen Weiss I“ im White Space zeigt Bilder der Berlinerin Ina Bierstedt und des Zürchers Lukas Salzmann, die sich beide mit dem „Pulsieren der Ruhe“ befassen, sich dem Thema aber von zwei ganz unterschiedlichen Seiten nähern. Ina Bierstedt schafft „bewegte Stillleben“, Lukas Salzmann „Momentaufnahmen einer Bewegung“. Diese drei Übertitelungen stammen von mir, aber ich finde, sie passen gut zu ihren Werken.

Ina Bierstedt hat einen schwungvollen Malstil, kurze, feine Striche und Tupfen. Grün und Gelb sind die dominanten Farben und am Horizont ein wenig Rot, wie ein Gewitterleuchten in der Ferne.

Bild: White Space.

Das Bild mit dem Titel „Glashaus“ ist mein Liebling: Ein Treibhaus inmitten eines blühenden Feldes. Auf mich macht das Bild den Eindruck, als befänden wir uns auf einem chinesischen Reisfeld. Regen fällt, Ruhe und Besonnenheit herrschen. Und es scheint nicht nur, als würde es im Bild drin regnen, sondern auch auf das Bild drauf. Die Farben laufen ineinander über, Schlieren ziehen sich von oben senkrecht über die Bildfläche. Meiner Meinung nach ein durch und durch ruhiges Bild also. Wären da nicht die „Bewegungslinien“, wie ich sie nenne. Auf der Abbildung entdecke ich sie zwar nicht wieder, doch das Original besitzt eine Art von Linien, die den Betrachter in das Bild „hineinsaugen“ und auf eine unbestimmte Mitte hinführen. Eine faszinierende Dynamik entsteht dadurch. Ich suche die Mitte und finde sie nicht. Ich versuche aus dem Bild rauszukrabbeln und schaffe es nicht, denn ich rutsche immer wieder in das Bild hinein, so als würde ich auf den matschigen Feldwegen über den Boden schlittern.

Bild: White Space.

Aus Lukas Salzmanns Bildern kommt man leichter wieder heraus. Mehr noch, der Künstler unterstützt sogar die Bewegung nach draussen. Zum einen lässt er seinen Bildern einen grosszügigen weissen Rand, über den sich die Farbe ausdehnt. Zum anderen malt er üppige Wolkenhimmel, deren Natur es ist, sich nicht zusammenzuziehen, sondern auszudehnen. Der Betrachter beginnt in der Mitte des Bildes, die aus alten schwarz-weissen Zeitschriftenfotos besteht. Hier reckt sich ein Baum in die Höhe, dort wächst ein Gebäude in den Himmel, vermischt sich mit den Pinselstrichen des Malers und franst, je weiter weg von der Mitte umso mehr aus. Betrachtet man Lukas Salzmanns Bilder aus einiger Entfernung, kann man sich an Assoziationsbilder aus der Psychoanalyse erinnert sehen, die wie Tintenkleckse daherkommen, nur um von jedem Betrachter unterschiedlich interpretiert zu werden. So kommt das Ungewisse in Lukas Salzmanns Bildern zum Vorschein, gepaart mit einem Hauch von Sehnsucht, der durch die abgewandten Personen und ihre auf den Fotos unkenntlich gemachten Gesichter gezeigt wird.

Birgit Fritsch Auf der Strasse herrscht ein Höllenlärm, aufgekratzte Fussballfans und Polizisten drängen sich am Helvetiaplatz, ansonsten wirkt die Stadt wie ausgestorben. Euro 08 und alle kleben an den Bildschirmen. Auf mich wartet hingegen ein Galeriebesuch als Insel der Ruhe. Die zwei Schaufenster bei Les Complices verheissen bereits eine willkommene Abkühlung. Je ein grosser silberner Standventilator steht da, die Ventilatorköpfe drehen sich gelassen hin und her in Richtung Ausstellungsraum. Dieser ist frei gehalten, lediglich mehrere kleine Lautsprecher sind in verschiedenen Höhen diskret an den Wänden befestigt.

Vittorio Santoro, You Are Still Here, Assisted Version, 2008 (Ausschnitt). Fotografie Birgit Fritsch.

Eine tiefe Männerstimme, von einer Art Meeresrauschen begleitet, spricht schnell einen kurzen, unverständlichen Satz, dann folgt wieder Stille. Die rhythmische Wiederholung des Satzes, das Schwenken der Ventilatoren und das seltsame Rauschen lassen mich an Ferien und Sommer denken. Doch eine leichte Beunruhigung schleicht sich ein: wer redet hier und weshalb kann ich den Satz nie genau verstehen? Es klingt wie eine verkürzte Version des Titels der Soundinstallation, You Are Still Here.

Der Blick in das Schaufenster überrascht. Je dunkler es draussen wird, umso stärker wird der Innenraum in der Aussenscheibe gespiegelt. Die ins Schaufenster geklebte Spionspiegelfolie, gleicht nun einem silbernen Spiegel, in dem ich selbst, die Ventilatoren und die Neonröhren reflektiert werden. Die Strasse, die ganze Stadt löst sich auf und mein Blick wird zurückgeworfen in die Ausstellung. Ich beobachte mich, wie ich die Ventilatoren beobachte. Mein Zeitgefühl verschwimmt zunehmend in dieser meditativen, hypnotischen Arbeit- tatsächlich: I’m still here.

An der Seitenwand zwischen den Lautsprechern des Raums hängt das Textbild To Be Eloquent At The Use Of Silence. Vittorio Santoro nimmt als Ausgangspunkt seiner Werke einzelne Sätze aus Filmen, Büchern oder Songtexten auf, die er auf nachdenkliche, hintergründige Weise bearbeitet. Auf einem grossformatigen, weissen Bogen Papier schrieb Santoro während fünf Monaten täglich, in die Spuren des vorangegangenen Tages, mit Bleistift den Satz To Be Eloquent At The Use Of Silence.

Vittorio Santoro, To Be Eloquent At The Use Of Silence, January – May 2008. Fotografie Birgit Fritsch.

Gebetsmühlenartig wiederholt Santoro diese Worte, er ritzt den Satz in das Papier, sein eigenes Bewusstsein und das Bewusstsein der Betrachtenden ein. Die Worte beissen sich im Gedächtnis fest, ich wiederhole sie rhythmisch in meinen Gedanken. Santoro überlässt es jedem einzelnen, in welche Richtung er die Worte weiterdenkt. Die aufgeworfenen Fragen sind Antwort genug.

Vittorio Santoro, To Be Eloquent At The Use Of Silence, January – May 2008 (Ausschnitt). Fotografie Birgit Fritsch.

Im kleinen angrenzenden Raum ist Santoros faszinierende Videoinstallation Discrepancy II zu sehen. Zwei kleine Projektionsflächen, mit Maschendrahtzaun bespannt, stehen wie übers Eck am Boden. Beamer werfen zweimal einen gleich langen Film auf die Flächen, der durch die Abgrenzung des Maschendrahtzauns gesehen werden kann.

Vittorio Santoro, Discrepancy II, 2004 (Ausschnitt Videostill). Fotografie Birgit Fritsch.

In beiden Loops folgt die Kamera einem weissen Blatt Papier, das in poetischer Leichtigkeit von sanften Windstössen über einen kiesigen Waldboden getrieben wird. Die Szene wirkt vertraut, das bewegte Blatt lockt immer weiter über den Waldboden. Plötzlich wendet sich das Blatt und ein aufgeklebter Streifen Papier mit Schreibmaschinenschrift wird sichtbar. SOMEWHERE BETTER THAN THIS PLACE heisst es auf dem einen Blatt und nun wendet sich auch das andere Blatt und der Satz NOWHERE BETTER THAN THIS PLACE wird sichtbar. Die beiden Aussagen verwirren und heben sich gegenseitig in ihrer Bedeutung auf. Gebannt beobachte ich weiter das Blatt und den Waldweg, hoffe auf neue plötzlich auftauchende Sätze und rätsle über dieses „hier“- THIS PLACE.

Vittorio Santoro, Discrepancy II, 2004 (Ausschnitt Videostill). Fotografie Birgit Fritsch.

Am Ende des Loops schwenkt die Kamera auf je eine Zeitungstitelseite, links The New York Times, rechts NZZ, beide vom 6. Oktober 2000. Die Schlagzeilen der beiden renommierten Zeitungen zeigen, wie über dasselbe Ereignis unterschiedlich berichtet werden kann. Die Akzentverschiebung zwischen der triumphierenden Schlagzeile „Yugoslavs Claim Belgrade for a New Leader“ und der dramatisch wirkenden Schlagzeile „Die Opposition stürmt Parlament und Staatsfernsehen in Belgrad“ mag so minimal sein wie das Vertauschen der Buchstaben von NOWHERE zu SOMEWHERE, doch in beiden Fällen wird eindrücklich auf die Zwischentöne und Uneinheitlichkeiten bei Berichterstattung und persönlicher Erinnerung hingewiesen. Santoro sprengt in seinen Arbeiten den Wahrheitsanspruch des geschriebenen Wortes. Es gelingt ihm, die Macht und Grenzen der Worte auszuloten und unser blindes Vertrauen auf das geschriebene Wort gehörig durchzurütteln. Dieser Zweifel am Wahrheitsgehalt des geschriebenen oder gesprochenen Wortes wird somit zum eigentlichen Thema seiner Werke. Die Sätze SOMEWHERE / NOWHERE BETTER THAN THIS PLACE und To Be Eloquent At The Use Of Silence begleiten mich in meinen Gedanken lange weiter, wie ein noch ungelöstes Rätsel.

Annika Schwenn Es tat nicht weh und ging schneller, als ich meine Erdbeerbowle austrinken konnte. So ging für mich Hamburger Deern an einem Abend gleichzeitig der Traum in Erfüllung, einen richtigen Anker – mit einer spontan darauf landenden Möwe – auf den Oberarm zu bekommen und Teil der Kunst zu werden, die Isabel Obrecht im lockeren Rahmen eines Strassenapéros produzierte und ausstellte.

Der Anlass, offiziell die Vernissage der Ausstellung in der Mehrzweckhalle, bestach neben der ausgelassenen Stimmung, die eher an ein Nachbarschaftsfest erinnerte als an eine steife Kunstzeremonie, durch ihren Performancecharakter. Und natürlich durch die kreative Künstlerin, die fröhlich ihre phantasievollen Tattooschöpfungen an den Gästen entwickelte.

Isabel Obrecht bei der Arbeit, Anker mit Möwe, Bild: Christina Renz

Neben ihren Hautmalereien schafft Obrecht noch unzählige andere Zeichnungen, Abziehbildchen und tätowierte Strumpfhosen, die man, wie sie selbst, auch mal an den Armen tragen kann. Dabei weisen die Motive immer wieder eine gewisse Divergenz auf. Auf den ersten Blick wirken die meisten hübsch, nett oder sogar naiv. Das liegt vor allem an der einfachen Malweise, die ganz bewusst eingesetzt wird, um einen kindlichen Effekt hervorzurufen.

Der Bildinhalt dagegen ist alles andere als lieb: neben Totenköpfen und ähnlich eindeutig bösen Sujets tummeln sich Herzen, die erst auf den zweiten Blick offen auseinander klaffen, Rosendornen, die sich fast unmerklich unter die Haut bohren und andere kleine Gemeinheiten. In diesem Sinne ist auch der Titel „Soft-Ice Ahoi“ gewählt: als Zeichen einer gewissen Ambivalenz. Es geht scheinbar um etwas zwischen Weichheit und Härte. Während eine Tätowierung etwas für stramme Matrosen oder dem Klischee nach zumindest für ganze Kerle und starke Frauen ist, denkt man bei Softeis an kleine Kinder. Wer lässt sich also ein Filzstifttattoo aufmalen? Und dann noch ohne Vorskizze, einfach aus der Hand? Weder der Mut zur Endgültigkeit eines Stichs, noch die Perfektion des Genres, ist gegeben; das Bild wird zur reinen Dekoration (die, nebenbei, bei mir leider nur bis zur nächsten Dusche hielt).

Stand vor dem Hotel Seefeld, Bild: Annika Schwenn

Das wohl mutigste Tattoo des Abends, Bild: Annika Schwenn

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Dies ist die erste Ausstellung der Mehrzweckhalle in diesem Jahr. Sie ist mit ihren 81’312 cm³ an sich schon aufsehenerregend und für den noch nicht versierten Galeriengänger und –Schauer eine kleine Überraschung. Nachdem sie als Schaufenster vor dem Hotel Seefeld identifiziert und der erste Schreckmoment vorüber ist, da der Name eher an eine geräumige Schulaula erinnert, stellt sich die Frage der Nutzung. Hierin besteht laut den Galeristen, Christina Renz und Georg Birkner, die grosse Herausforderung: die Künstler müssten, egal in welchem Medium, auf den begrenzten Raum eingehen und seine Eigenarten in die Präsentation mit einbeziehen. So habe früher schon ein würfelförmiger Fernseher der älteren Generation Platz für eine Videoinstallation gefunden. In diesem Fall seien die Voraussetzungen nicht anders als in der klassischen, begehbaren Galerie, denn die Bilder seien einfach der Raumgrösse angepasst.

Wichtig ist den beiden, dass die Kunst etwas Neues enthält. Die Zürcher Künstlerin bringt zudem das verbindliche Element mit, das Events wie diesen ermöglicht. Die Leute sollen direkt auf der Strasse angesprochen werden und sich an ihr beteiligen. So wird zum Ausklang der Ausstellung ein Mitmachprojekt mit Assignment stattfinden. Indem man beispielsweise sich selbst in der Vergangenheit einen guten Rat erteilt oder etwas fotografiert, bevor und nachdem man es kaputt gemacht hat, kann man sich am Entstehen eines Kunstwerks beteiligen. Joseph Beuys’ Idee, dass jeder ein Künstler sein kann, wird in dieser kleinen, aber sehr feinen Galerie hochgehalten und auf berauschende Art gefördert. Ein wunderbares Gegenprojekt zu manch schicker und Besucher-unfreundlichen Elitegalerie!

Mehrzweckhalle mit Abendbeleuchtung, Bild: Annika Schwenn

Rahel Klauser Die Schwedin Lovisa Ringborg und der Finne Hannu Karjalainen untersuchen mittels der Medien Fotografie und Video die Grenze zwischen Realität und Fiktion und entführen den Betrachter in eine skurrile und spannende Welt. Die Galerie Rotwand präsentiert in einer schönen und stimmigen Ausstellung einige interessante Werke der beiden skandinavischen Künstler.

Ringborgs Werk “Cocoons” (2007) zeigt zwei Babys, eingewickelt in weisse Tücher, die an kleine Babuschkas oder Raupen erinnern. Auf dem tiefschwarzen Hintergrund treten die Winzlinge deutlich zum Vorschein. Die Augen sind geschlossen, sie scheinen friedlich zu schlafen. Das Bild irritiert. Handelt es sich um Zwillinge? Die beiden sehen sich sehr ähnlich, sind fast identisch. Jedoch: Während beim einen Baby der rechte Nasenflügel etwas grösser ist, ist es beim anderen der linke. Dasselbe gilt für die Brauen und Mundwinkel, alles ist absolut symmetrisch. Bei der genaueren Betrachtung wird klar: das Bild ist spiegelverkehrt, es handelt sich um ein und dasselbe Kind. Ringborg, ursprünglich eine Malerin, lässt in ihren inszenierten Bildern die Grenze zwischen Wahrheit und Fiktion verschwinden und sucht dabei oft die Anlehnung an Werke früherer grosser Maler. Gemäss den beiden Galeristinnen wurden die Werke in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin so ausgewählt, dass jedes Bild für sich eigenständig betrachtet werden kann und trotzdem ein harmonisierendes Ganzes entsteht. Die Wahl fiel auf jene Bilder, welche eine besondere Faszination ausgeübt haben.

Auch “The chosen one” regt zum Nachdenken an. Im Vordergrund steht ein weisses Schaf, dem ein dickes rotes Kreuz aufgemalt wurde. Im Hintergrund ist die restliche Herde zu sehen, die Schafe befinden sich auf einer saftigen grünen Wiese. Warum ist das Schaf auserwählt? Wird es zur Schlachtbank geführt? Dafür scheint es fast zu anmutig, es wirkt elegant und stolz und seine Augen blicken den Betrachter direkt und herausfordernd an. Weshalb es auserwählt wurde, wird somit dem Betrachter überlassen und jeder kann seine eigene Geschichte dazu erfinden.

Lovisa Ringborg, The chosen one. Bild: Rotwand Gallery

Bei “Holding Breath” wird die Grenze zwischen Realität und Fiktion besonders deutlich. Ein Mädchen, dessen Haare mit schwarzen Bändern zu Zöpfen geflochten sind, steht bis zur Hälfte des Gesichts im Wasser, ihre Augen sind geschlossen. Dort, wo sonst immer ein klarer Horizont zu sehen ist, verschwimmt die Grenze zwischen Wasser und Himmel, der Übergang ist fliessend. Die präsentierten Werke von Lovisa Ringborg stammen allesamt aus den beiden Serien “Wonderland” und “The Limbo Pictures”.

Lovisa Ringborg, Holding Breath. Bild: Rotwand Gallery

Das Video “Surfer” (2008) des jungen Künstlers Hannu Karjalainen ist nicht minder faszinierend, auch wenn es nur wenige Minuten dauert. Der Betrachter blickt auf ein Wellenmeer, auf weisse Schaumkronen und unruhige Wellenbewegungen. Die Bilder sind leicht verschwommen und unscharf. Dann bricht eine riesige Welle, und links im bild taucht kurz ein umgekipptes Surfbrett auf, allerdings ohne den dazugehörigen Surfer. Die Szene wird akustisch effektvoll mit einem lauten Rauschen untermalt. Ebenso schnell verschwindet das Surfbrett wieder und das Bild kehrt zu den Wellenbewegungen zurück. Die Naturgewalt des Wassers wird dem Betrachter eindrücklich vermittelt.

Hannu Karjalainen, Surfer. Bild: Rotwand Gallery